|
 | Анатолий Можарский
(11 изображений)
 | Можарский Анатолий Николаевич (г.р.1954) – потомственный художник. Художниками были его прапрапрадед, дед и родители – Н.Ф. Можарский (1916-1967) и Заслуженный художник России И.Н.Можарская.
Рисовать Анатолий начал с детства, поэтому выбор художественного поприща был для него естественным и органичным.
Учился, как и его родители, в Ленинградском институте живописи, скульптуры и архитектуры им.И.Е.Репина (бывшая Академия художеств).
Анатолий Николаевич является участником республиканских, региональных, областных и многочисленных городских выставок. Он - член Союза художников России с 1983. В 1990-е ряд лет возглавлял секцию живописи Пермского Союза.
Его произведения есть в коллекции Пермской государственной художественной галереи, Чайковской картинной галереи, Березниковского краеведческого музея и частных коллекциях за рубежом.
Можарский – зрелый и опытный мастер-профессионал, с мощным живописным темпераментом, редкой непринужденностью и широтой письма. Его, пожалуй, можно назвать лучшим колористом Перми. Живописцем в самом точном смысле этого слова. Цвет, чувство красочных отношений раскрывает самое существенное в его художественном мироотношении.
Творчество художника питается реальностью, но реальностью особого рода. Органика Можарского интуитивна, метод работы спонтанный, импровизационный, обнажающий сам процесс работы. Рука живописца как будто свободна от внешних влияний и заученных приемов. Она как тончайший сейсмограф фиксирует колебания чувств и мыслей творца, способного улавливать и передавать скрытые ритмы мира. Пластическая форма его картин имеет характер чего-то не до конца соткавшегося.
Красота не является заранее рассчитанным эффектом, скорее она может возникнуть «по ходу дела», когда автор думает не о ней, а увлечен своей историей, своей правдой.
Подвижность живописной поверхности задает длительность созерцания холста, создает ощущение не остановленного, напряженно текущего времени, таинственно живущего в вибрации цветовых сгустков. Тамара Дмитриевна Шматёнок -искусствовед Mojarskiy Anatoly Nickoloevich
painter
1954 Was born in Leningrad
1979 Ended Repin`s institute of fine arts, architecture and sculpture with a specialization in «Painting»
1983 A member of Russia artist’s union |
|  | Максим Каёткин. Работы
(13 изображений)
| | Рудольф Тюрин
(Нет изображений)
 | Цветной карандаш
 | Живопись
 |
| Рудольф Евгеньевич ТюринРодился Рудольф Тюрин в городе Кизеле Пермской области в 1939 году. Рудольф Евгеньевич - участник многочисленных всесоюзных, областных выставок. Дважды был лауреатом. Его персональные выставки состоялись в Перми. В середине 70-ых годов в прессе о нём заговорили как о художнике ярком, нашедшем своё творческое лицо, свой стиль, свою манеру в жанре наивного искусства. Живопись стала для художника способом утверждения себя, дала радость общения с интересными людьми. Искусство Тюрина - о людях и для людей. Умер в 2008 году. Радость на всю жизнь. Так когда-то на вопрос о том, чем является для него
искусство, ответил «наивный» художник из поселка
Ильинского Рудольф Евгеньевич Тюрин (1939-2008).
В 1970-1990-е годы имя Р.Е.Тюрина было хорошо известно пермским любителям изобразительного искусства.
Он принимал активное участие в выставках объединения самодеятельных художников «Прикамье». Были у него и персональные выставки, в том числе в Пермской галерее, областном краеведческом музее, в музеях целого ряда районных центров. На счету Рудольфа Евгеньевича несколько республиканских и всесоюзных выставок наивного искусства. Дважды он оказывался их лауреатом.
Творчество, так называемых, наивных художников – особая страница в многообразном и богатом наследии ХХ века.
Мастеров этого направления отличает непосредственность и искренность взгляда на мир, жизнеутверждающие интонации фольклора, слабая чувствительность к социально-политическим требованиям, опора на внутренний мир человека. В каждом человеке живет искренний, чистый, не «исправленный» цивилизацией человек.
В 1970-е годы произведения Тюрина вносили в художественную атмосферу Перми новые живые интонации, он демонстрировал свой вариант понимания свободы и творческой раскрепощенности.
Правда, нужно отметить тот факт, что творчество Тюрина не совсем попадает под определение наивного искусства,
«Наивный» Тюрин сложней, многогранней, драматичней.
И это не трудно понять. Тюрин хотя и самоучка в живописи, но имел высшее образование. Он-врач-рентгенолог. Развитие Тюрина-художника происходило под мощным влиянием профессионального искусств, в том числе пермских живописцев. Живя постоянно в Ильинском, он часто приезжал в Пермь, много общался с художниками, ездил с ними на пленэр. Бывал Тюрин и на российских творческих дачах, проводимых специально для самодеятельных авторов.
Характерная для наивных художников детскость, как творческое и продуктивное состояние духа, у Тюрина оказалась осложнена определенной долей рефлексии. Глубинная цельность и чистота не рефлексирующего сознания, как грани души не исчезли, но соединились с иными гранями, возделанными социумом. Художественное наследие Тюрина, таким образом, оказывается достаточно разнородным.
Среди его произведений есть немногочисленные работы по образному решению, языку, интонациям близкие «чистому» наиву. В его наследии немало произведений, близких профессиональному искусству (элементы примитива ощущаются везде), традиционным реалистическим образам.
Значительное место в его творчестве занимают картины, в которых воплощены авторские мифы.
Но самый «тюринский» жанр – это картина. Художник называет их закрутками. Именно многолюдная картина с наибольшей полнотой воплощает всю его философию и все пластические искания.
По словам художника его закрутки – это реакция на какую-нибудь несправедливость жизни, своей или чужой, то есть рефлексия, вызванная реальностью. Наследие Тюрина – это неповторимая страница и
скусства Перми и огромной провинциальной России.
Тамара Дмитриевна Шматёнок - искусствовед
Смотреть работы на выставке "Арт-Пермь 2009" «Житие святого Рудольфа» Странички из дневника художника
20.01.91. Что надо для творчества? Психологический удар, воз-можно, даже оскорбление. Ситуация одиночества, когда появляется грусть, трещины во взаимоотношениях с друзьями, когда чувствуешь мелочность обид, когда видишь, что побеждает игра в клоуна, игра в одни ворота. Когда фантазии в дружеском кругу создают иллюзию ис-тины, и нет желания что-то предпринимать, оправдываться.
Ощущаю какую-то нервозность, как будто кто-то шныряет в моих архивах... Не могу найти свой дневник, подобие лирических стихов. Теснота квартиры, отсутствие перспективы, когда ты всю жизнь быдло, человек второго сорта, раздражает, а с экранов телевизоров нам все твердят: не надо конфронтации.
Я вспоминаю свой первый этюд "На опушке леса", когда я работал в пионерском лагере в 1963 году... Он им всем очень понравился. Маленькое чудо. Но его на выставке сельского хозяйства забракова-ли. Пропагандируем, мол, коллективное хозяйство, а это – мелкособ-ственнические интересы... Все уходящее – наше будущее, лозунг партии в коллективном хозяйстве. Мог ли я тогда знать, что мы, тре-тируя частника, через 25 лет сядем с этим в лужу?
08.02.91. Один облученный, худой бедолага с осипшим голосом (рак гортани) посмотрел обо мне телефильм и вразумлял меня: "Не рисуй девок, посадят..." Я посмеялся. Но затем мне устроили "шмон", по моим рисункам хотели понять, кто ко мне ходит.
Не потому ли мои натурщицы "без глаз" (без зрачков – Т. Ч.), как у Модильяни? Кстати, итальянцам нравятся мои работы, как мне пере-давали.
Да, я рисую молодых, танцульки, у моих картин иронизируют: "У него, как у лисы, сто сказок, и все про курицу".
Я противоречив: конструируя форму, решая пластические задачи, забываю о внутреннем содержании. Драматизм, экспрессионизм, буйство мазка не по мне, перед картиной я хочу отдыхать. В наш шумный век митинговости, эксцессов нужна картина-успокоение. Многие, придя домой, не любят повышенного голоса, яркого света, историй детективных убийств, критических телепередач, всего того, что раздражает, ведет к душевному беспокойству. Но в атмосфере успокоения не создашь картин. Художника надо бить по роже. Обида – это тоже стимул для творчества. Здесь тоже можно поиздеваться надо мной. Художник в своем воображении – центр Вселенной, его искусство эгоцентрично.
...Мои картины – житие святого Рудольфа, их жертвоприношение Ильинскому. Я всегда колебался между рациональным и инстинктив-ным. Художник толпы, улицы, карнавальных зрелищ, мои картины – фантасмагории из "Королевства кривых зеркал". Линия – моя помощ-ница. Как нас загоняют в клетку стереотипов, так и я загоняю зрите-ля, как белку в колесо, в раму картины, используя линию. Жизнь не обижала? По натуре я оптимист.
***
...Художник купается в линиях. Он радуется жизни. Так рождается тема "Нелетная погода". Но по чьей вине: авиаторы загуляли или нет горючего?
Чехов нанизывает синонимы в разговорной речи для усиления действия, а я в многофигурных композициях подчеркиваю пластику движений, используя свой зрительный запас, опять же для усиления эффекта действия.
Этюд – несостоявшаяся картина, как зашифрованная память... Этюд – черновик, маховик ассоциаций, стимулятор творчества. Да-рить этюды – растрачивать себя, лишать воспоминаний.
Общение – источник творческого успеха. Человека надо тормо-шить, художника – хвалить. Это – стимул... Эрзя, оставшись в Арген-тине, зависел от покупателей и от своего таланта, сохранил себя как личность, устоял в своем направлении – экспрессивном, эмоцио-нальном, в подходе к модели (людям). Вряд ли в солдафонском ис-кусстве вождизма, диктата сверху он мог бы быть самим собой, его в России заставили бы служить, а не смог – посадили бы... На голод-ный паек в исправительную зону, где на потребу дня писал бы плака-ты "Пятилетку в четыре года!", "Ударный труд – залог освобождения!". Перебитые пальцы из-за миски супа – и прощай, ваятель!
Я вспоминаю 1979 год, когда нарисовал и выставил своих мужиков: «Сельская свадьба». В прессе – молчание, как мычание. Или пописывали в обкоме в отделах по искусству нелестные отзывы обо мне. Тайное досье. Вспоминаю второго секретаря райкома: «Картины хорошие, но мало в них идеологии». Сколько лет прошло, и только сейчас понимаю, что моя картина была укором большевизму – из ХХ века.
Но почему крестьянство поверило в декрет Ленина: земля остается народу на вечные времена, без всякого выкупа?
***
В дорогах, в ожидании поезда, самолета, на автостанции, на теп-лоходе я всегда был предоставлен самому себе. Желание закрепить впечатление толкало на фиксацию событий – появились первые до-рожные зарисовки. Постепенно рисовать вошло в привычку, быстрее проходило время, исчезало раздражение на длинные ожидания.
Мне никогда не позировал кто-нибудь специально, я не умел доса-ждать людям просьбами и рисовал, торопясь успеть схватить ситуа-цию. Это были карандашные наброски на малоформатных листах. Как я тогда, да и потом, завидовал рисовальщика прошлого – Пас-тернаку, Лебедеву, Тырсе, глядя на несовершенство своих работ. Но именно эти дорожные упражнения помогли мне приобрести опреде-ленные навыки схватывания натуры, развить быстроту рисунка...
***
Раньше жажда творчества шла от обособленности, выход с этюд-ником давал приятное времяпрепровождение, душевную стойкость перед иными соблазнами, добровольное одиночество. Сейчас пони-маю: рисуется хорошо тогда, когда душевно здоров, когда чувствуешь связь с миром и нет духовной изоляции. Творчество – и утверждение себя в обществе, и стремление выразить свое отношение к жизни. Мне искренне жаль тех, кто не выдерживает многолетней преданно-сти живописи и под воздействием сложностей быта, слабоволия из-меняет ей.
***
Бывает, как толчок в сердце, остановившая на бегу мысль: время уходит, и невозвратны люди, составлявшие его богатство. Однажды в краеведческом музее, стоя перед фотографиями ветеранов, я вдруг понял, как много ярких лиц прошло в жизни мимо меня. Надо торо-питься видеть их, живущих и творящих, надо, не уставая, говорить о тех, кто красив неброской красотой своих дел. Это я и пытаюсь, в ме-ру сил, делать своими работами.
***
Иногда бывает и так, что близкий к завершению холст стоит полго-да, но появилось интересное лицо, и начинаешь вводить его в карти-ну, переделывать всю композицию.
***
...Некоторые считают, что когда я повзрослею и отойду от прими-тива, то стану рисовать хуже, потеряю себя. Другие хотят видеть ме-ня вечно в колыбели примитива.
Я же, увлекшись портретами, мечтаю о жанровой групповой карти-не, которая, как повесть по сравнению с рассказом-портретом, позво-лит расширить повествование, показать столкновение различных на-строений, углубить психологический план и передать богатство цве-товых отношений. Все это, несомненно, потребует более высокого уровня исполнения, к чему в самодеятельном искусстве надо идти и идти самому.
***
Я не стремлюсь к всеобщему признанию. Мне приносит душевное спокойствие признание того, что есть друзья и знакомые, хорошо по-нимающие мои картины. И все-таки, как вспышка гармонии с жизнью, такой, к примеру, эпизод, когда рыбаки из дальней деревни пришли с просьбой нарисовать их пруд, закат над ним и окружающий лес, что-бы все увидели эту красоту. ...У каждого должна быть песня. Она складывается, когда есть душевная потребность петь. Но, даже самая хорошая, может ли она существовать без слушателей? Хочется, чтобы от моей песни звучала радость и в других сердцах
Рудольф Тюрин
| | | | |
|  | Основные работы. Валерий Подкуйко
(26 изображений)
|  | Изделия из модельного гипса производства Кунгурской артели имени 18-ой парт конференции
(40 изображений)
| | В Кунгуре вырабатывали изделия из гипса более века назад. Простота добычи и дешевизна гипса привели к тому, что в начале ХХ века в городе и его окрестностях открылись небольшие кустарные мастерские, занимающиеся производством гипсовых изделий. Кустари работали со своими семьями в маленьких каморках при свете керосиновой коптилки. Сырьем служил местный камень, который мастера заготавливали и приносили в мешках, затем обжигали дома в русских печах. Продукт обжига мололи дедовским способом с помощью двухпудовой гири и железной плиты.4 При создании гипсовых статуэток, мастера, независимо от места их проживания, ориентировались на потребности городского обывателя. Большая часть изделий скупалась купцами и увозилась в Сибирь.
После Октябрьской революции 1917 года и гражданской войны кустари организовываются в небольшие артели. Началась новая страница в истории. Страна постепенно поднималась из руин. Налаживалась и мирная жизнь в Кунгуре, испытавшем все ужасы войны. Как вспоминает Н.М. Давыдов: «Правительство разрешило иметь подсобные мастерские, и мы со своей семьей из четырех человек организовали цех по производству гипсовых изделий. Вырабатывали бюсты вождей и писателей, барельеф «Крепи оборону СССР» и другие изделия, которые пользовались большим спросом. Через год мастерская объединяла уже 20 человек.5
22 июля 1929 года в городе было организовано крупное предприятие, получившее название «Производственная и заготовительная артель инвалидов «Объединение». Артель состояла из нескольких производств – столярного, мебельного, сапожного, швейного, шапочного, чемоданного, бондарного, кондитерского. Выпуском изделий из гипса занимался научно-художественный цех, насчитывающий около 30 рабочих.
Новый советский быт диктовал новые темы. И вот наряду с затейливо-вычурными гипсовыми изделиями (вазами, домиками, кукольными головками), появляются лаконично-прямолинейные статуэтки, изображающие красноармейцев в длинных шинелях и буденовках, целеустремленно глядящие в даль. Не забывали мастера-литейщики и анималистический жанр с уже ставшими привычными фигурками зайцев с морковками, собачек, кошечек, всевозможных домашних птиц. Эти непритязательные вещи охотно раскупались городскими и сельскими жителями, стремящимися украсить свой быт.
В 1930-е годы по-прежнему пользовались популярностью у покупателей миловидные черноглазые девочки с кукольными лицами, которые то стояли в манерной позе, наклонив голову и прижав к сердцу руку, то ласково обнимали белоснежных кошечек. Некоторый налет сентиментальности был свойственен и изделиям, создаваемым по моделям профессиональных скульпторов. Так «Детская головка» А.Е. Попова, одновременно работающего и в Кунгурской камнерезной артели, навевает воспоминания о рождественских открытках начала ХХ века с ангелами, томно поднимающих к небу глаза. Мечтательное состояние героини подчеркивалось и пастельными цветами раскраски. Корме статуэток из гипса отливали и пепельницы, украшенные полуфигурами былинных богатырей, красноармейцев и сидящими гномами. Не забывали мастера и о потребностях детей. Для кукол изготавливали гипсовые головки со специальными отверстиями, к которым должно было крепиться туловище, сшитое из ткани.6
15-20 февраля 1941 году производственная артель «Объединение» была переименована в Кунгурскую артель инвалидов имени ХVIII партконференции. Для размещения артели были выделены здания по улице Октябрьской 28 (сейчас лицей № 1), до революции принадлежавшие крестьянину П.П. Гашеву.
Во время Великой Отечественной войны мастера по-прежнему продолжали выпускать гипсовые сувениры, вырабатывая порой более 300 000 изделий в год. В основном ассортимент состоял из небольших анималистических фигурок – кошечек, собачек, барашков, уточек, петушков, как ласково именовали свои изделия в артели.7 Но уже в 1941 году появляются новые образы – «Пограничник», «Черкес», «Колхозница»., Особенно трудным выдался 1944 год, когда из-за аварии была затоплена обжиговая печь для гипса, поэтому было прекращено изготовление изделий из собственного камня, а пользовались привозным.8
С 1943 года мастерами в артели осваивается выпуск бюстов и барельефов, изображающих партийных и советских деятелей, известных отечественных писателей и поэтов. Одними из первых стали бюсты И. В. Сталина и К.Е. Ворошилова. Как правило, поверхность таких скульптур имеет монохромную раскраску в пределах серо-коричневой гаммы. В коллекции нашего музея это направление представлено бюстами И.В. Сталина, С.М. Кирова, А.С. Пушкина, Н.А. Островского. Кроме них выпускали бюст А.В. Суворова и барельефы В.И. Ленина, И.В. Сталина.
С конца 1940-х годов художественную продукцию артели стали продавать в специализированном киоске, расположенном на перроне железнодорожной станции «Кунгур». Тогда проходящие поезда дальнего следования останавливались на станции на 20-30 минут, поэтому пассажиры и гости города могли приобрести гипсовый сувенир. Заказы на крупные партии поступали из Свердловска, Нижнего Тагила, Челябинска. Кунгурские сувениры с их непосредственностью и жизнерадостностью мироощущения стали популярным атрибутом городского быта советской страны.
В начале 1950-х годов перед мастерами встают вопросы, связанные с обновлением ассортимента гипсовых изделий. Ведь по-прежнему, как и десятилетия назад, в фигурах людей присутствует примитивная раскраска: «розовое лицо, раскрашенное шаблонно с кукольно-мертвым выражением глаз, черные волосы, синяя, красная и желтая одежда (в зависимости от наличия краски)».9 Другая проблема была связана с отсутствием обоснованных расценок на приобретение новых скульптур. При оплате моделей ее стоимость вплотную зависела от размеров: «чем больше величина, тем выше оплата». Отсюда и гигантские размеры «накомодных» скульптур того времени, когда «выпускаются изображения собак и волков чуть ли не в натуральную величину».10 Гигантомания была свойственна и работам, обращающимся к фольклорно-сказочной тематике («Красная шапочка», «Дед Мороз», «Гном», «Мальчик с корзинами»).
В поисках путей решения проблем художники, осознавая отсутствие традиций в кунгурском гипсолитном искусстве, пытались обратиться к произведениям русских художественных промыслов – фарфору и фаянсу, хохломской росписи по дереву. Перед администрацией была поставлена задача – познакомить мастеров с коллекцией советского фарфора в Молотовской художественной галерее.11 Заимствования из фарфорово-фаянсовой пластики ощутимы во многих изделиях, выпускаемых в 1950-60 годы. Это и усложненный силуэт («Балерина» В.П. Щихвинцева, «Туристка» Е.П. Шатировв), и попытка передачи движения («Плясун», «Уральская пляска» Е.П. Шатирова), любовь к мелким деталям («Богатырь» Е.П. Шатирова). Значительная часть таких работ имела однотонную, светлую поверхность, напоминающую фаянс. Некоторые мастера ориентировались на традиции каслинского литья (М.С. Бузин «Ермак»).12
Первое место среди многочисленного ассортимента гипсовых статуэток до 1954 года занимал выпуск анималистических скульптур – всевозможных собачек, кошек, зайцев, петухов, поросят, уток… В 1953 году количество наименований было резко сокращено вдвое (из 85 осталось 43),13 с производства были сняты как раз почти все фигурки животных. Многие изделия, как отмечает художник артели М.Г. Лисунов, были признаны «антихудожественными, псевдореалистическим и безграмотными. В апреле комиссией было оставлено из 50 образцов только 14 художественных изделий. В числе раскритикованных оказались статуэтки «Запорожец» (исторически неверно трактованный образ), «Женщина - мать» (несколько вульгаризированный образ), «Моряк с гармошкой»... А ведь артель имеет двух скульпторов, на совести которых лежит создание новых, идейных, высокохудожественных образцов. Перед народными промыслами поставлена задача – показать нового человека, строящего коммунизм».14
В послевоенные годы в артели формируется круг мастеров и художников, по моделям которых будут выпускаться изделия в 1960-1970-е годы. Это М.Г. Лисунов, З.П. Позднякова, выпускники Московского художественно-промышленного училища им. М.И. Калинина, Е.П. Шатиров, З.Р. Басыров, В.П. Шихвинцев, В.Я. Первушин, В.Н. Некрасов. Многие из них сотрудничали с камнерезной и полуфаянсовыми артелями.
Если рассматривать тематику изделий, выпускаемых мастерами в третьей четверти ХХ века, то можно заметить, что в основе большинства произведений лежит литературный сюжет, зачастую почерпнутый из кинематографа. Еще в 1941 году начинается выпуск крупной фигуры «Старик Гном с трубкой», а в 1947 году появляется «Дед Мороз». Основной пик выпуска скульптур с изображением литературных персонажей приходится на 1950-е годы. С 1951 года начался выпуск скульптурных групп «Красная шапочка», «Дед Мазай»; с 1952 г выпускались «Кот в сапогах», «Конек-Горбунок», «Хозяйка Медной горы», «Запорожец»; с 1954 г. - «Садко», «Гвидон», «Иванушка», «Старик с золотой рыбкой»; с 1955 г. - «Данила-мастер», «Иван-Царевич»; с 1956 г. – знаменитый «Василий Теркин»; с 1958 г. – персонажи русских сказок «Емеля», «Богатырь», «Конек-Горбунок», «Иван-царевич с Жар-птицей», «Иван-царевич с лягушкой», «Аленушка», «Катя»; с 1959 г. - «Иван Бровкин», «Старик Хоттабыч», «Сивка-Бурка», «Царевна-Лягушка»; с 1960 г. - «Малахитовая шкатулка», «Золушка», «На сером волке»; с 1961 г. - «Аленький цветочек», «Ярославна», «Никита Кожемяка»,
На втором месте стоят скульптуры, посвященные жизни советского народа. Популярные первоначально образы пионерок и колхозниц («Колхозница с урожаем», «Ванька с Танькой», «Пионерка», 1941-1945 гг.) и героев войны («Пограничник», «Гармонист», 1941-1945 гг.) дополняются новыми персонажами. Появляются представители многонациональной страны – «Черкес» (1941 г.), «Абиссинец» (1949 г.), «Украинец» (1950 г.), «Узбечка» (1951 г.). Скульптором Ю.А. Нелюбиным в 1960-е годы созданы образы «Строительница», «Доярка», «За водой», «У колонки», «Купальщица»
Много работ с изображением детей и активной молодежи – «Девочка с мальчиком», «Девочка с мячом» (1948 г.), «Мальчик с козленком», «Мальчик на санках» (1951 г.), «Девочка с грибами», «Мальчик со щенком» (1952 г.), «Девочка с книгой», «Школьница» (1953 г.), «Юный охотник» (1956 г.), «Подружки» (1960 г.), «Мечтательница» (1961 г.), «Юный моделист» (1963 г.).
Тема спорта раскрывается в работах В.Н. Некрасова («Футболист»), В.А. Шихвинцева («Фигуристка», «Баскетболистка»), Е.П. Шатирова («Художественная гимнастика»).
Встречаются изображения людей творческих профессий – «Матрос» (1951 г.), «Альпинист» (1952 г.), «Баянист», «Балерина» (1954 г.)», «Фигуристка», «Скрипачка» (1955 г.), «Туристка» (1956 г.), «Космонавт» (1970 г.).
Большой популярностью покупателей пользовались литые изделия, изображающие героев сказов П.П. Бажова. В 1946 году на советский экран вышел фильм «Каменный цветок», который неоднократно демонстрировался в Кунгуре в конце 1940-х – начале 1960-х годов. В то время З.П. Поздняковой была создана скульптура «Хозяйка Медной горы», величавая фигура которой напоминает Т.Ф. Макарову, воплотившую на экране образ легендарной владычицы подземных богатств Урала. Эта работа тиражировалась вплоть до начала 1980-х годов, правда ее размеры были несколько уменьшены. Вслед за З.П. Поздняковой к горнозаводским сказам обратились З.Р. Басыров («Катя», 1958 г.), Е.П. Шатиров («Малахитовая шкатулка» 1960 г.), В.А. Шихвинцев («Данила-мастер», 1960 г.).15
В 1950-60-е годы одной из главных тем советского искусства была борьба за мир, поэтому часто художники обращаются к событиям Великой Отечественной войны. Это было характерно и для кунгурских мастеров. Художник-фронтовик Е.П. Шатиров, любивший говорить начинающим мастерам: «Все время работай карандашом и рисуй с натуры все, что видишь», обращается к образу Василия Теркина, героя одноименной поэмы А.Т. Твардовского. Защитники отечества изображены в скульптурах «Пограничник» В.А. Шихвинцева, «Матрос с гармошкой» М.Г. Лисунова.
Создаются работы, посвященные теме праздника советских тружеников - «Плясун» и «Уральская пляска» Е.П. Шатирова, «Уральские частушки», «Матрос с гармошкой» М.Г. Лисунова. Эти скульптуры словно наполнены динамизмом, задором, демонстрируя, что советские люди умеют не только трудиться с полной отдачей сил, но и активно отдыхать. В таких произведениях передана национальная культура, русская песня и танец, а герои одеты в рубашки-косоворотки, сарафаны и платки.
Особняком среди гипсолитных изделий стоит композиция Труфанова «Лиса и бобер», отличаясь тонкой иронией и критичным отношением к персонажам. Это своеобразная сатира на важного чиновника и его модно одетую жену, выраженная через антропоморфные образы, может быть актуальна и сейчас.
На основании приказа управления местной промышленности № 312 от 06.10.1960 года Кунгурская артель им. XVIII партконференции, которую возглавлял Р.В. Ременников, была переименована в Завод гипсолитных изделий на базе цехов и личного состава рабочих артели.
Федосова Инга Николаевна - искусствовед |
|  | Агиткерамика - способ и предмет наглядной агитации для зрителя.
(7 изображений)
Мастерская www.art59.ru представляет серию керамических блюд «АГИТКЕРАМИКА».
1. «Инвестор, вперёд» - тираж 10 экземпляров
2. «Труд» - тираж 10 экземпляров.
Блюдо изготовлено из красной глины Пеньковского месторождения методом механического формования на станке. Процесс сушки естественным образом. Обжиг изделия при температуре 700 градусов. Нанесение надписей подглазурными красками кистью вручную. Покрытие прозрачной глазурью. Повторный обжиг при температуре 950 градусов. Цена одного блюда 3000 рублей. |  | Графика
(12 изображений)
|  | Живопись
(43 изображений)
|  | Цветной карандаш
(31 изображений)
|  | Город
(6 изображений)
|
|
